Para muchos de nosotros, el arte todavía puede sentirse fuera de nuestro alcance. Pensamos en pinturas colgadas en un museo, elegidas por curadores y vistas a un precio, o en coleccionistas de arte privados en posesión de piezas influyentes nunca vistas por el público en general.
Sin embargo, en su forma más antigua, la accesibilidad al arte era esencial como una forma de comunicación de las civilizaciones. Las pinturas rupestres representaban lo cotidiano, desde la caza hasta los sistemas de creencias, y eran una forma de documentar la historia. Esto sigue siendo cierto hoy en día: el arte es una forma de comunicar la cultura y debe existir para ser observado, absorbido y apreciado por todos.
Si bien algunas obras de arte siguen siendo inaccesibles, visibles solo para visitantes de museos o personas adineradas, la historia del arte visible públicamente ha evolucionado enormemente, lo que significa que las posibilidades de que todos puedan experimentarlo han aumentado.
Sin embargo, la accesibilidad del arte se ha visto amenazada nuevamente con los cierres masivos de museos y espacios de exhibición, ya que el mundo se tambaleó a raíz de una pandemia global. La importancia del ‘arte para todos’ nunca ha sido más relevante.
Los antiguos orígenes del graffiti
Sabemos que en su forma más simple, el graffiti y el arte callejero se remontan a tiempos prehistóricos, con algunas de las pinturas rupestres más antiguas creadas hace más de 64.000 años, pintadas por un neandertal en Cacares, España. Sin embargo, el término ‘graffiti’ en realidad se remonta a las inscripciones y dibujos que se encuentran en las paredes de la antigua Roma o Pompeya, que se usan para denotar cualquier imagen agregada a las superficies después de su creación original. El primer ejemplo de lo que comúnmente se reconoce como graffiti aún existe hoy en la antigua ciudad griega de Éfeso, en la actual Turquía, que según los guías locales era un anuncio de servicios para adultos.
La capilla sixtina
Durante el Renacimiento, la pintura de edificios se volvió más sofisticada. Botticelli y Michelangelo son responsables de algunos de los ejemplos más conocidos de arte visible públicamente en el mundo: el de los techos y las paredes de la Capilla Sixtina.
Si bien los artistas callejeros de hoy en día tienen acceso a escaleras, recolectores de cerezas y andamios, Miguel Ángel no tenía los mismos lujos de la tecnología moderna en 1508. Pintó más de 5,000 pies cuadrados de frescos durante cuatro años, todo desde una plataforma plana de madera construida de los agujeros en la pared de la iglesia. Dato curioso: si bien se dice que pintó los techos en la espalda, en realidad lo hizo de pie: ¡su pobre cuello!
Del vandalismo al arte
El auge del graffiti, caracterizado como escritos o dibujos en las paredes u otras superficies públicas sin permiso, en el siglo XXI fue al principio descartado por los críticos como un símbolo antiestético de vandalismo en los vecindarios. Sin embargo, el auge del graffiti en la ciudad de Nueva York entre las décadas de 1960 y 1980 ayudó a establecer el medio como una forma de arte creíble.
Muchos artistas ahora icónicos se hicieron un nombre en las últimas etapas del boom. Keith Haring y Jean-Michel Basquiat son ahora tan respetados como los artistas tradicionales, con exposiciones en museos y colaboraciones de moda en todo el mundo. Un punto focal particular fue el de la intersección en Houston Street y Bowery, iniciada por Haring, que se convirtió en un lugar de gran interés artístico con muchos artistas callejeros diferentes presentando su trabajo. Desde 2008, el muro ha sido administrado de forma privada y ahora está disponible solo por comisión o invitación.
Banksy, Ben Eine y D * Face
Los años 90 y 2000 dieron lugar a nombres mundiales como Banksy, que reformaron aún más la mala reputación del arte callejero y lo establecieron como una forma de arte legítima por derecho propio. El trabajo subversivo de Banksy, que se basó en los orígenes del graffiti de protesta y mensajes sociales, ganó un atractivo masivo, recibiendo fanfarrias en todo el mundo cuando apareció una nueva pieza.
Hoy en día, los artistas callejeros son buscados por marcas, políticos y músicos que buscan aprovechar su ‘factor cool’ global. El grafiti característico del artista londinense Ben Eine ha sido regalado por David Cameron a Barack Obama, y su compañero artista D * Face ha colaborado con artistas como Christina Aguilera y Blink-182 para crear la portada del álbum.
La forma de arte se ha convertido en un titán cultural tanto, que este año vio el Festival de Murales de Londres inaugural, que se une a artistas como el Art Basel de Miami para celebrar el arte callejero.
Lienzos no convencionales
El festival presenta Londres como un lienzo con más de 40 murales y eventos artísticos a gran escala, celebrando el arte callejero en la capital. Como uno de los patrocinadores, la icónica marca de estilo de vida estadounidense Zippo se asoció con D * Face para crear un mural ubicado en el costado del Theatro Technis Theatre en King’s Cross de Londres.
La obra de arte a gran escala es una nueva versión de uno de los motivos icónicos “Stripe” de D * Face. Una especie de autorretrato subversivo que combina medios pop e imágenes, no solo como un comentario satírico sobre el consumo de contenido en el siglo XXI, sino como un guiño al estatus icónico de la cultura pop y al compromiso con la expresión individual de Zippo.
El encendedor a prueba de viento se crea utilizando un nuevo proceso de decoración de 540 colores, la última innovación de diseño de la marca que permite que los encendedores tengan cualquier diseño, con gráficos a todo color, envueltos alrededor de todos los bordes y superficies.
El encendedor de edición limitada D * Face formará parte de una Colección Street Art más amplia de encendedores Zippo a prueba de viento con obras de arte preexistentes de artistas callejeros como Tristan Eaton, Marija Tiurina y Pref.
Photo Credit: Karolina Grabowska / Kaboompics
